The Upper Strata
The duo blends vocal harmonies, sequencers, bass and guitar with a cosmic touch to create a unique sound palette and hue. Their lyrics are poetic and passionate, their synth melodies are bold and catchy. Their songs transcend genre boundaries.
The core of this creative duo is their songwriting and musical experimentation – they constantly change the way they fuse their elements. Each album reveals the upper, latest layer of the musical strata.
The Upper Strata captivate their audience with soulful vocal harmonies, topical and poetic lyrics, guitar (drenched in effects) and a pulsing bass. They also add sequencers, samples and keyboard sounds to enrich their songs with texture and atmosphere.
Wer steckt hinter "The Upper Strata" und wie seid ihr zur Musik gekommen, respektive was waren eure ersten Schritte?
The Upper Strata ist ein indie-electronic Duo, bestehend aus Johnny und Reg. Das Herzstück des Projekts ist das Songwriting und die musikalische Erkundung. Die Art und Weise, wie wir beides zusammenbringen, ändert sich ständig. Mit jedem Album erhältst du die obere, aktuelle Schicht der musikalischen Strata.
Johnny: Ich bin in einer musikalischen Familie aufgewachsen. Alle singen und spielen Instrumente. Die meiste Zeit saßen wir zum Spaß ums Klavier herum und sangen. Ich entdeckte College- und Community-Radio, was mich zu unabhängigen Plattenläden und der Underground-Musikszene führte. Ich spielte in Garagenbands, nahm an Jam-Sessions teil, begann als Teenager, meine eigene Musik aufzunehmen und veröffentlichte mehrere selbst produzierte Aufnahmen. Als ich Reg traf, verband uns sofort die Liebe zur Musik. Dann begannen wir, gemeinsam Musik zu spielen und aufzunehmen. Während unserer Zeit in Amerika entwickelten wir uns zu einer Live-Band, die hauptsächlich als Akustik-Duo auftrat. Im Laufe der Jahre kamen Schlagzeuger, Looper, Synthesizer und Sequenzer hinzu.
Reg: Fingerübungen am Klavier prägten meine Kindheit. Es war eine Art Hassliebe, weil ich eigentlich Lieder spielen wollte, jedoch der meditative Aspekt zunehmend interessanter wurde. Trance und Trip Hop waren ein fester Bestandteil meiner Jugend, obwohl ich mit meiner volkstümlichen Band Konzerte spielte und damit genug Geld verdiente, um mir ein Straßenmotorrad zu kaufen – sehr zum Leidwesen meines Vaters.
Der Bass lässt sich leichter bewegen als das Klavier und ich kann auf der Bühne wilder sein, also habe ich das Instrument gewechselt. Außerdem ist der Bass sowieso das Wichtigste in einem Lied. Irgendwann begann ich, mich für Sampler, Sequenzer und Musikproduktion zu interessieren, und nach einer Weile wandte ich mich wieder den Keyboards zu. Wir produzieren alle Beats und Loops selbst und live spiele ich Bass – meist über Synthesizer Pedale und andere Effekte – und singe Backing-Vocals.
Euer Album "Hue" beschäftigt sich mit dem Thema Farbe, was war eure Inspiration und wie war die "Arbeit" daran?
Wir haben an einem Bauhaus-Thema gearbeitet, das zu einem Paul-Klee-Album mutierte und ursprünglich zwei Color Wheel-Songs enthalten sollte. Aufgrund der Längenbeschränkungen von Schallplatten und der Komplexität der Aufnahme in einer kleinen Kirche in Italien kamen die Lieder vom Farbkreis nie ans Licht. Die Idee eines Farben-Albums stand also immer noch im Raum. In Marrakesch besuchten wir eine Ausstellung über die sieben Farben der Gnawa.
Die Gnawa-Kultur ist einzigartig in Westafrika - mit ihren Verbindungen zu Mali - und dreht sich um Trance. Der Vagabund, der in Trance Kunst und Musik schafft, trägt einen Mantel in sieben Farben. Hinter jeder Farbe steckt eine bestimmte Geschichte und ein Mythos, von den Meereskreaturen bis hin zum Wissen selbst.
Wir waren begeistert und Reg kreierte einen Song, der die Klänge von Berbermusikern einfing und zu Seven Colors wurde. Wir hatten ein riesiges, künstlerisches, farbenfrohes Werk und beschlossen, eine Sammlung von Liedern zum Thema Farben zusammenzustellen.
Die Inspiration für die verschiedenen Songs war sehr vielfältig, von Seegras an einem Strand in Malaysia (Seagrass Green); gestohlene Schätze, die von Königen gehortet wurden (Stolen Sapphire Blue); Herodot und seine Geschichte von einem König, der zum Bettler wurde (Purple Robe); chillen am Pool in Florida (Swimming Pool Blue); Artikel über noch nicht entdeckte Farben und die Grenzen des menschlichen Wissens (Temple Gold); die Straße ins Nirgendwo der Autokultur (Brake Light Red); die seltsame virtuelle Welt der sozialen Medien (Lenses of Rose) und die Sehnsucht nach dem Frühling im tiefsten, dunkelsten Winter (Color of Spring). Es war definitiv ein interessanter Prozess, sich auf Farben zu konzentrieren, auf eine Farbe im Song zu hören, ein Lied zu schreiben und dabei an eine Farbe zu denken oder einen Song so zu dehnen, dass er von einer Farbe handelt. Die Idee, wie klingen Farben?
Johnny: Es ist faszinierend, wenn ich Temple Gold höre, erinnere ich mich an die flackernden Kerzen und goldenen Figuren der Höhlentempel in Ipoh, Malaysia. Total spannend, wie wir das Gefühl dieses Ortes nicht nur in den Texten, sondern auch musikalisch zum Ausdruck bringen konnten. Als ich das tiefe Grollen des Synthesizers hörte, das zu Stolen Sapphire Blue wurde, stellte ich mir einen harten, polierten blauen Stein vor.
Ich habe den kalten Farben zugehört und die Erzählung entsprechend geschrieben. Viele Künstler haben damit experimentiert, ihre Auswahl an Farben und Kompositionen einzuschränken. Mondrian verwendete beispielsweise nur drei Farben. Die Festlegung einer Regel, dass jedes Stück eine Themen-Farbe haben muss, schränkt den Prozess ein und drängt dich aus der Komfortzone.
"Hue" deckt ja einige Genre ab, ist quasi sehr breit gefächert, man könnte fast meinen bunt in seiner Vielfalt, wie entsteht ein Song von "The Upper Strata" im Allgemeinen, ist das ein "kontrollierter" Ablauf oder lässt man der Kreativität freien Lauf?
Musikalisch lassen wir uns von Soundtracks und der Fähigkeit des Post-Rock inspirieren, Popmusik zu dekonstruieren und neu zusammenzusetzen. Feldaufnahmen und Sampling gefundener Klänge sind wichtige Aspekte des Aufnahme- und Kreativprozesses. In den Liedern spiegeln sich alle möglichen Klangfarben wieder, von malaysischen Schnellzügen über Eis in Gläsern bis hin zu den Klängen berberischer Instrumente in der Wüste. Wir tüfteln gerne.
Manchmal tauchen Teile und Ideen auf, manchmal ist es ein kompletter Song. Wenn Reg’s Step-Sequenzer Johnny inspirieren, übernimmt Johnny die Rolle des Editors und arrangiert die Werke. Reg bearbeitet und mischt die Lieder dann. Da wir alles selbst produzieren, haben wir mehr Freiheiten und das ist vielleicht Mitgrund, warum wir uns nicht auf ein bestimmtes Genre beschränken.
Johnny: Ich betrachte mich in erster Linie als Songwriter. Ich mag den kreativen Prozess, einen Song zu entwickeln. Wir versuchen beide ständig neu zu kalibrieren, was ein Song leisten kann, von Popsongs über lange Instrumentals bis hin zu atmosphärischen Klängen. Wir freuen uns über jeden Ansatz, auch wenn er nicht funktioniert oder sofort passt. Beide müssen sich darüber einig sein, dass es sich lohnt, an einer Idee zu arbeiten. Die Stücke, die uns begeistern, sind die Stücke, an denen wir am meisten zusammenarbeiten. Wenn wir beide involviert sind, bekommt das Lied ein anderes Leben und eine ganz besondere Energie. Es muss eine gute Balance zwischen dem Konzept, den Texten und der intellektuellen Seite des Songs und dem Groove, dem Feeling und der Atmosphäre der Produktion bestehen. Macht es Spass, damit zu spielen, oder macht es Lust, sich zu bewegen?
Johnny: Ich betrachte mich nicht als Gitarrist. Normalerweise spiele ich mit Effekten, die wie Pfeifenorgeln, Streicher oder alte analoge Synthesizer klingen. Meine Gitarrenparts sind oft unaufdringlich und tragen dazu bei, dem gesamten Song Atmosphäre zu verleihen. Das ist für mich eine ziemlich neue Entwicklung. Reg hingegen ist eine echte Bassistin, die sich wirklich mit ihrem Instrument verbindet, in den Groove gerät und mit ihrem gesamten Körper auf der Bühne reagiert.
Was sind eure persönlichen Favoriten am Album und warum?
Temple Gold hat sich als unser neuer Favorit des Albums etabliert. Es beinhaltet einige mystische Ideen und wissenschaftliche Sichtweisen von Farben - die Gegenüberstellung von beidem versucht das riesige bekannte Universum zu erklären. Musikalisch hat es coole Grooves und Passagen, die wir improvisieren können, sodass es jedes Mal, wenn wir es spielen, ein wenig anders klingt. Lenses of Rose macht einfach Spaß und bringt die Leute zum Tanzen. Der Text hat es in sich, und Johnny greift ihn in jeder Show auf unterschiedliche Weise an. Seven Colors ist eine Kombination aus gefundenen Klängen von einer Jamsession um ein Feuer in Afrika, einfallsreiches Gitarren- und Bassspiel und Sequenzer-Sounds. Bei etwas mehr als neun Minuten Länge handelt es sich eher um sieben Songs, die sich um ein Thema drehen und in verschiedenen Bewegungen zum Ausdruck kommen. Teile der Berber-Percussion fließen in den Track ein und versetzen uns zurück in diesen Moment in Marokko.
Ihr habt ja bereits eine großartige musikalische Vergangenheit aufzuweisen (erstes Release 2011), welche drei Songs von euch würdet ihr unseren Lesern empfehlen, um ein wenig in die Tiefen von "The Upper Strata" einzutauchen?
Line ist ein älteres Lied, das wir immer noch spielen, weil wir es einfach nicht loslassen können. Es fühlt sich gut an, den Song zu spielen und das Publikum scheint ihn zu mögen. Zudem enthält der Song die wichtige Botschaft, dass man manchmal die Rettungsleine ist, die jemanden auf dieser Welt hält.
Into the Green ist einer der Songs, der als filmisch und tranceartig eingestuft wird. Das Lied wurde in einem Bootshaus in Norwegen aufgenommen und ist ein Spaziergang durch einen dichten, üppigen Wald mit fast Scat-ähnlichem Gesang, der sich bei jedem Auftritt ändert.
Moonless Night ist ein lustiges altes Lied, das wir noch immer bei Akustik-Sets spielen. Für uns ist es eine Hommage an Around Midnight von Miles Davis, die ruhigen Produktionen von Tom Waits und die nächtlichen Vibes von Billie Holiday und Chet Baker.
Musikalische Vergangenheit bedeutet natürlich auch ein gewisses Repertoir, wie sieht's da mit Gigs aus, können wir euch irgendwo auf der Bühne sehen bzw. Erleben?
Live kombinieren wir unsere Liebe zur visuellen Kunst und zur Musik. Mit einem Video-Synthesizer, der auf unsere Sequenzer-Track reagiert, projizieren wir abstrakte Formen auf uns selbst und die Bühne. Jeder Bildsatz ist so gestaltet, dass er mit dem jeweils gespielten Lied harmoniert und eine Kombination aus Konzert- und generativer Performance-Kunst darstellt.
Wir spielen an unterschiedlichsten Orten und vor allem präsentieren wir verschiedene Arten von Shows, von Akustik-Konzerten in Weingütern bis hin zu Indie-Elektro in Clubs in Portland. Bei täglichen Shows über 3-4 Wochen am Stück kann dieser ständige Wechsel sehr anspruchsvoll, aber auch sehr abwechslungsreich sein. Das kurze, heiße Club-Set basiert grösstenteils auf aktuellen Veröffentlichungen, mit einigen “Hits” aus früheren Aufnahmen. Es ist sehr erfrischend, genügend Material in petto zu haben und einfach Songs entsprechend der Atmosphäre des Raums auszuwählen.
Jedes Jahr touren wir für etwa einen Monat in Amerika. Wir bereiten Auftritte und kleine Tourneen in Europa vor. Wenn du ein passendes Lokal kennst oder eine Band kennst, die mit uns die Bühne teilen möchte, nimm bitte Kontakt zu uns auf.
...und zu guter Letzt, was sind eure Pläne für die nahe Zukunft?
Wir haben eine sehr schöne Vinylversion von Hue und ein dazugehöriges Booklet erstellt. Unser Ziel ist es also, das Album auf jede erdenkliche Weise den Menschen zugänglich zu machen. Auf unserer USA-Tour konnten wir bereits viele Exemplare verbreiten.
Es ist auch auf Bandcamp erhältlich. Nächstes Jahr werden wir für eine weitere Saison in die USA zurückkehren. In der Zwischenzeit arbeiten wir in Basel (Schweiz) an neuen Songideen und erforschen den Video-Synthesiezer-Aspekt weiter. Wir haben einige Ideen für Musikvideos im Umlauf und hoffen, dass wir diese möglichst bald produzieren können. Und möglicherweise wird es in naher Zukunft eine Europatournee geben.
